彫刻をみる、ということ

みる、見る、観る、視る、診る、看る・・・

一言に「みる」といっても、いろいろある。

一般的に彫刻をみるといった場合は前者の三つの言葉であろう。

画像の作者は、左から松田文平、山﨑隆、冨長敦也、堀内正和。

表現はさまざまだが、美術での彫刻という領域は同じである。

今日は、今月２５日まで弊社ｷﾞｬﾗﾘｰで開催している

松田展の作品（画像左端の作品）について話してみたい。

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『彫刻は素描に基礎をおく他のどの芸術よりも八倍も偉大である。
なぜなら彫刻は八つの眺めがあり、しかもその八つがすべて同様に
美しいはずだからである。
絵画は木や人やその他の物体が泉に映った映像にすぎない。
絵画と彫刻との間の相違は、陰影とその陰影を投げる物体との
相違ほど大きなものである。』　　　ﾍﾞﾝｳﾞｪﾇｰﾄ・ﾁｬﾙﾘｰﾆ　16世紀の美学者の言葉

これに対し、ﾚｵﾅﾙﾄﾞ・ﾀﾞ・ｳﾞｨﾝﾁは、絵画の方がより知的である
という理由で彫刻よりも優れていると考えた。

また、ﾐｹﾗﾝｼﾞｪﾛが同じ問題についてたずねられたとき、
彼は一流の聡明で直截な論法で、
同じ目的をもったものはおのずから同じものおであり、
したがって判断の正しさと、仕事の厳しさによって生まれる相違を除いては
絵画と彫刻との間には何の相違もありえない、といった。

その時代ばかりではなく今日にいたるまで、絵画と彫刻の目的は同じものだというﾐｹﾗﾝｼﾞｪﾛの仮定に挑戦するものはいなかったであろう。しかし、今日われわれはそれぞれ異なった芸術がもっている目的に、かなり明確な区別をつけるばかりでなく、たとえば彫刻という一部門の芸術のうちにさえ、芸術家たちの異なった意図が存在する可能性を認めている。科学と同様に芸術がまったくはなればなれの活動に分裂してゆくのが近代の特徴のひとつである。すべての芸術が目指しているある一般的な価値はいまなお存在しているかもしれないが、それすら疑わしいことである。１６世紀においては芸術家たちは、当時の哲学者たちが真理の概念において一致することができたように、美の概念において一致することができたのである。今日ではそのような基本的な一致は芸術にも哲学にも存在しない。

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　　　　　　　　　　　　　　　　　以上、罫線間は『芸術の意味』ﾊｰﾊﾞｰﾄ･ﾘｰﾄﾞ著、滝口修造訳より引用

そのような時代から、彫刻家は、雛形を作り、それを職人が拡大したり、複製する時代が続きます。その、ある意味衰退ともいえる状態に反抗した作家がロダンです。その流れは根本的にはヒューマニズムですが、まったく異なった構成主義という彫刻の型が生れてきます。それは絵画におけるキュービズム（ﾋﾟｶｿ、ﾌﾞﾗｯｸら）と多少ことなり、幾何学的な形式を使って、完全な緊張を保つような堅固な量塊、面、空間の動的な相互関係を創り出そうと目指しています。また、その意識はその内部までに及んでいきます。このような形体は一般的にいう普通の意味で美しいかどうかは意見が分かれるところでしょうが、同じような形状、要素である建築をみるときには、さほど困難ではないのに、彫刻となると難しくなるようです。

彫刻家の「構成」と建築家の「構造」とは親密な関係が存在している。相違といえば、彫刻家は功利的な目的に一切制限されることなく、その結果、美学的に「純粋」な形態を展開することができるという点である。とリード氏は記しています。

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内容が少し、難しくなってきてしまったようで、
かえって「彫刻」を難解なものにしてしまいましたねぇ。

このブログを書いている途中に、松田文平さんの知り合いの庭師のかたが見に来ました。今夏の日照り続きのなかでも仕事をしてきた感じで、赤銅色に日焼けしたその庭師さんに、この作品の感想を求めたところ、
「仕事を通して石は身近かですが、石のもつ全く別な一面をみることができて、幸せです。」
そして「自身、３８億年前は石も人もみなマグマで同じだった物として石を捉えています。」とも言っておられました。

その庭師さんのほうが、私よりもはるかに作品をみているし、説得力がありますね。そんな庭師さんに出会えて、今日は、また、幸せです。